Opéra National de Paris 2022

Apr 09, 2023

La mise en scène de Robert Carsen s'élève malgré une distribution de sacs mélangés

Les débuts de la production d'"Ariodante" à l'Opéra de Paris ont été difficiles. Sa première a fait face à une grève du personnel des coulisses et la deuxième représentation a été annulée en raison de manifestations politiques. Par conséquent, la presse n'a pu voir le spectacle que des semaines après son ouverture.

L'opéra de Händel, cependant, vaut vraiment la peine d'attendre.

L'un des titres les plus joués du répertoire d'opéra de ses compositeurs, "Ariodante" (d'après un segment de "Orlando Furioso" de l'Arioste) traite d'un réseau complexe de sentiments gouvernés par l'amour, le désir et la fidélité. Le drame est particulièrement humain et le livret, d'un auteur inconnu, dissout toute sentimentalité commune. Les mots essentiels sont précis, toute action dramatique est dévoilée en peu de mots.

Les scénarios virulents de Robert Carsen mettent en scène le drame au sein d'une famille royale fictive de l'Écosse moderne. Le metteur en scène canadien utilise l'exposition moderne des vies royales - en se référant spécifiquement au drame "Meghanexit" de 2020 - pour se demander dans quelle mesure la vie privée et l'intimité peuvent ou devraient être accordées à ceux dont la vie et les affections sont à la fois les leurs et publiques - depuis le la famille royale est aussi l'État.

La scénographie comporte de beaux moments. Carsen, qui a également conçu l'éclairage, est habile à réunir le moderne et le traditionnel dans la mise en scène. La chorégraphie de Nicolas Paul, quoique trop terrestre et un peu décalée, valorise le drame en se situant à la frontière entre la danse diégétique et l'hallucination surréaliste.

Cependant, je dois dire que le sens de l'humour de Carsen peut parfois être trop kitsch. En fin de compte, lorsqu'il explique de manière pornographique sa vision républicaine de la monarchie, nous sommes obligés de voir des figures de cire de la famille royale britannique qui ne feraient probablement pas la coupe du musée de Madame Tussaud à Paris, au Texas. De telles interventions humoristiques banalisent tout le sentiment grand et élevé dans "Ariodante" - mais, peut-être, en dehors des temps de couronnement, mon âme républicaine les trouverait juste un peu drôles.

Je dois dire que même une performance banale d'"Ariodante" est extrêmement agréable. La musique est si bonne que le temps passe vite. Presque chaque rôle a plus d'un air, ce qui donne aux interprètes beaucoup de place pour établir une relation entre eux et le public. Dans l'ensemble, je dirais que les chanteurs ont mieux su rendre l'atmosphère tragique que les moments heureux de l'opéra. Cela dit, à part Dumaux, la distribution ne semble pas s'être aussi bien échauffée, ce qui rend le premier acte inférieur aux deux actes suivants.

La grande vedette de la soirée, Emily D'Angelo dans le rôle-titre, a été accueillie avec enthousiasme par le public du Palais Garnier. La mezzo canadienne a une voix quelque peu androgyne qui colle assez bien au répertoire en travesti. Si une telle androgynie a été évoquée par son Siebel dans "Faust" de Gounoud la saison dernière, son Ariodante le précise. Sa voix a un vibrato rapide et un ton enfantin qui donne au personnage une personnalité qui ressemble parfois à un gamin wertherien adolescent perdu dans la mauvaise partie du XVIIIe siècle.

Bien que j'aie beaucoup de sympathie pour le travail de D'Angelo, surtout après sa course spectaculaire à Operalia - où elle a remporté tous les prix possibles -, son Ariodante manquait quelque peu. Sur le plan scénique, D'Angelo, bien que très expressif, n'est pas le plus naturel des acteurs, ce qui était particulièrement sensible dans une mise en scène où excellaient la plupart des chanteurs.

Son énonciation italienne, malgré son nom de famille, était difficile à comprendre à quelques instants. D'Angelo sacrifie la prononciation des consonnes occlusives au profit de son legato, ce qui rend certains mots inintelligibles (« cieca », « dopo », pour n'en citer que quelques-uns). Côté instrument, sa voix se fait entendre par-dessus les murs du Palais Garnier, mais timidement, s'estompant du ton héroïque d'Ariodante. C'était particulièrement vrai dans son dernier air, « Dopo notte, atra e funesta » ; La récapitulation d'Ariodante de l'apogée de l'opéra manquait d'une partie de l'énergie et du sens de la joie plus grande que nature exprimée par la colorature fascinante de Händel. La voix d'Angelo, cependant, brille particulièrement bien dans le registre supérieur, et son registre inférieur est très uniforme et généreux envers le public.

Dans son air "Scherza infida", D'Angelo a sagement gagné beaucoup d'expression et un sentiment de douleur en interagissant avec des tons plus légers de sa voix en pianissimi, soulignant la jeunesse et la verdeur d'Ariodante. Pour moi, c'était son meilleur moment de la soirée.

La soprano ukrainienne Olga Kulchnysnka nous a offert une Ginevra très prometteuse. Je suis toujours impressionné par ses incursions dans le milieu de gamme ; sa voix pure livrant le texte m'a rappelé des chanteuses comme Maria Bayo et même Patricia Petibon. Sa Ginevra conserve un sens de la vertu dépourvu de toute naïveté. Elle est avisée politiquement, sachant très bien comment, face à sa situation injuste, se positionner politiquement ("Io ti bacio, o mano augusta"). Son "Il mio rawl martoro" était lyrique et douloureux, représentant l'exemple le plus clair de l'aspect spectral tragique obsédant de "Ariodante" qui ne l'emporte jamais complètement sur sa fin heureuse.

Le chanteur qui s'est probablement le plus amusé sur scène était le contre-ténor français Christophe Dumaux dans le rôle de Polinesso, duc d'Albany. Son caractère est méchant; cependant, Dumaux en fait un filou sympathique : comment ne pas l'aimer quand il chante « Se l'inganno sortisce felice, io detesto per semper virtù ». ("Si tromper finit bien, je haïrai toujours la vertu") ? En grande forme vocale, le contre-ténor a acquis une tonalité métallique dans sa voix, ce qui est particulièrement évident dans ses sections de colorature. Il est remarquablement doué pour embrasser les inégalités de ses registres, en particulier dans le bas de sa voix. Toutes ses variations sont remplies de panache et d'un bon sens du phrasé qui ne fait qu'augmenter le sens des mots.

Dalinda, la femme de chambre déloyale de Ginevra, était chantée par la compétente soprano serbe Tamara Banješević. La soprano a une belle voix et son personnage passe très probablement par le plus grand changement dramatique de l'opéra; cependant, elle n'a jamais réussi à énoncer correctement son texte italien, et à donner à son personnage une personnalité musicale plus cohérente. Alors que dans son "Neghittosi ou voi che sort?" son clair-obscur était là avec des changements dramatiques entre piano et forte, son duo avec Lurcanio ("Dite spera, e son contento") ressemblait plus à un règlement qu'à une prise de conscience enthousiaste qu'"un nouveau feu s'allume dans [son] cœur" ("novo ardor mi accende il sen").

Eric Ferring a chanté Lurcanio avec un ton de ténor plus incarné qu'on a l'habitude d'entendre dans le répertoire plus léger. C'était plutôt satisfaisant d'entendre un bon phrasé et une voix uniforme dans tous les registres. Ses notes aiguës sonnent naturelles et libres ; son ton n'est ni enfantin ni juvénile.

Le ténor américain a pourtant dû lutter contre deux problèmes. Sur la fosse, Harry Bicket était particulièrement lent lorsqu'il dirigeait les airs de Lurcanio, enlevant une partie de la vivacité du personnage. Mais encore plus délétère était la perruque et la barbe rousse du prince Harry qui non seulement étaient très distrayantes, mais qui nous ont également amenés à nous demander s'il ne serait pas préférable d'éviter les rappels (à l'opéra et partout ailleurs) de la coiffure de Harry.

Enfin, Matthew Brook a affronté le roi écossais avec une excellente énonciation du texte. Cependant, il n'a aucune des notes les plus graves requises par la partition - il s'agit clairement d'un bon chanteur mal choisi. Le chanteur semble avoir un grand sens du phrasé; le hic, c'est que la ligne vocale du King est souvent bâtie sur la mise en valeur d'une voix généreuse qui sait errer sur tous les registres avec éloquence et royauté.

Enrico Casari a été une agréable surprise dans le petit rôle d'Odoardo.

Le Concert anglais, dirigé par Harry Bicket, a une belle tonalité, même si les tempi étaient, à mon goût, un peu trop austères et lents. Bicket est très compétent pour gérer la relation entre la mise en scène et la musique. En quelques instants, l'orchestre réussit même à bien changer d'affect après une grande aria, comme si le chant transformait le regard des instruments sur la musique. Le continuo était plus qu'idéal ; à l'entrée de Ginevra dans les appartements royaux, avant qu'on lui dise qu'Ariodante est mort, les improvisations étaient si belles que j'aimerais les réentendre.

Comme je l'ai déjà dit, "Ariodante" de Händel est un si grand opéra que même avec mes réserves sur l'exécution, je le verrais plus d'une fois, surtout avec la mise en scène de Carsen, qui est bien adaptée à la musique. Malgré l'inégalité de l'ensemble musical, mon amour pour la musique de Haendel et la beauté de la mise en scène me font placer cet "Ariodante" comme l'un des temps forts de la saison à l'Opéra de Paris.

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Par João Marcos Copertino