Le son comme inspiration artistique

Apr 30, 2023

L'atelier et le musée du tissu présentent "Sonic Presence (or Absence): Sound in Contemporary Art", une exposition qui explore et engage avec le son.

Le Fabric Workshop and Museum (FWM) vient d'annoncer Sonic Presence (or Absence): Sound in Contemporary Art, une exposition mettant en vedette 22 artistes qui explorent et interagissent avec le son. Certaines œuvres d'art incorporent du son réel tandis que d'autres encouragent les spectateurs à s'appuyer sur leurs propres expériences et souvenirs sonores pour interpréter les œuvres. Organisée par Alec Unkovic, l'exposition est présentée du 23 juin 2023 au 7 janvier 2024.

Les artistes qui font partie de l'exposition sont : Terry Adkins, Janine Antoni, Moe Brooker, Nick Cave, Lenka Clayton, Kevin Cooley, Peter Edwards, Guillermo Galindo, Ann Hamilton, Christine Sun Kim, Phillip Andrew Lewis, Glenn Ligon, Thomas Mader , Jason Moran, Robert Morris, Stephen Petronio, Raúl Romero, Yinka Shonibare, Patrick Siler, Kiki Smith, Lenore Tawney et Mika Tajima.

Tout au long de l'histoire de FWM, les artistes en résidence ont utilisé le son comme élément central ou comme élément conceptuel de leurs résidences. Ces projets ont souvent exploré comment offrir une traduction directe du son, capturer une représentation indirecte de ses formes énergétiques et culturelles, ou inspirer une réponse audible d'un public. Comme le suggère le titre de l'exposition, les œuvres présentées démontrent la notion d'une « présence sonore », un lien palpable entre le visuel et l'auditif. Présentant des œuvres de la collection du musée aux côtés d'une sélection d'œuvres prêtées, Sonic Presence invite les visiteurs à explorer les thèmes résonnants du son dans les arts visuels, qu'ils soient implicites, imaginés, absents ou réalisés.

Dans le cadre de résidences souvent axées sur l'exploration matérielle, certains artistes du FWM se sont tournés vers la traduction visuelle de l'expérience du son, de la performance ou de leurs réverbérations culturelles.

Pour Yinka Shonibare, la création de sa sculpture afrofuturiste Space Walk (2002), composée de deux astronautes grandeur nature suspendus dans les airs dans la galerie suggérant l'apesanteur d'un espace silencieux, impliquait de parcourir le quartier de South Street à Philadelphie à la recherche de disques vinyles. L'iconographie visuelle du mouvement Philly Sound des années 70 et l'artiste locale émergente de l'époque, Jill Scott, sont devenues l'inspiration pour quatre créations textiles batik personnalisées qui habillent les personnages de l'énergie culturelle des artistes musicaux noirs. La notion de se vêtir de son est explorée plus avant avec Soundsuit de Nick Cave, avec son armure vibrante d'animaux en peluche dominant une paire de jambes collantes colorées, et avec Cloud Garment de Lenore Tawney, dans lequel des partitions sérigraphiées et l'évocation de le calme fusionne pour former un vêtement protecteur et serein.

Dans son impression sur soie de 2010, Listen with your eyes ttgg, le regretté artiste de Philadelphie Moe Brooker, fils d'un prédicateur, invite les spectateurs à évoquer les sons de son enfance dans l'église à travers ses couleurs vives et ses formes abstraites, tandis que Blaster sérigraphié en 1987 par Patrick Siler capture une scène d'auditeurs captivés par une boombox classique. À l'inverse, la sculpture interactive Spectre de Peter Edwards, composée de grappes d'orbes illuminées descendant du plafond, répond visiblement aux sons des visiteurs.

Les instruments agissent comme un thème récurrent tout au long de Sonic Presence en tant que matériau et forme. L'exposition comprend deux sculptures de la série Aviarium de Terry Adkins, le dernier ensemble d'œuvres de feu l'artiste de Philadelphie, qui traduisent les vecteurs d'onde de la vocalisation des oiseaux en une échelle monumentale, en utilisant des cymbales et des tiges d'aluminium pour capturer le chant sous une forme purement sculpturale. Les œuvres récentes de Jason Moran capturent de manière vivante les traces d'une performance, l'artiste explorant les résidus de la création musicale en plaçant du papier sur les touches du piano et en utilisant des pigments saturés.

Le lieu devient l'inspiration dans Sonic Border pour le compositeur et artiste mexicain Guillermo Galindo, qui a fabriqué des instruments à partir d'objets abandonnés portant des preuves de migration, qu'il a collectés lors de ses voyages le long de la frontière américano-mexicaine. Associés à des enregistrements de la partition originale de Galindo, ces artefacts résonnent avec la complexité et les expériences vécues de l'immigration.

Le son de la mer fait ses débuts, une nouvelle œuvre collaborative de l'ancienne artiste en résidence Lenka Clayton avec Phillip Andrew Lewis qui explore le processus des artistes Foley, qui utilisent des accessoires pour recréer des effets sonores quotidiens dans les films, la radio ou la télévision. ; pour ce travail, Clayton et Lewis ont collecté et recontextualisé des objets inattendus utilisés pour créer le son de l'océan.

Skin Tight de Glenn Ligon, composé de huit sacs de boxe et d'un papier peint graphique, réfléchit sur la notion de masculinité noire et le corps noir comme site et objet. Ornée d'images de rappeurs comme Ice Cube et de textes de Muhammad Ali, l'installation confronte le visiteur à l'impact et aux implications de l'activation d'un sac de boxe.

Sonic Presence explore également la notion conceptuelle du son de la propre fabrication d'une œuvre d'art. Au cours de sa résidence FWM, Mika Tajima a commencé sa série en cours Negative Entropy, composée de portraits acoustiques tissés qui agissent comme des images de l'état de leur production; ayant enregistré des espaces industriels utilisant des métiers Jacquard, l'artiste a traduit visuellement ces enregistrements en spectrogrammes qui ont ensuite été produits en motifs tissés Jacquard sur certains de ces mêmes métiers. Dans une œuvre antérieure à sa résidence au FWM, Box with the Sound of Its Own Making (1961) de Robert Morris présente une boîte en bois ordinaire qui émet un enregistrement de sa propre construction, avec sciage et martelage ainsi que des pauses et des sons de activité moins traditionnellement associée au progrès.

La série Typewriter Drawing de Lenka Clayton explore à la fois la cacophonie et l'absence à travers la création de marques. Harmony of the Spheres de Phillip Andrew Lewis et Kevin Cooley mêle performance et relique. Leur destruction de mille disques vinyles muets a inspiré de nombreuses œuvres, dont une édition finale de cent disques LP entièrement réalisés à partir des ruines. Une fois ré-pressés, les nouveaux vinyles - disponibles pour les visiteurs à écouter - sont inscrits avec les sons de l'usine bourdonnante alors qu'elle fonctionne pour presser le disque silencieux ainsi que les sons de la destruction initiale des disques lorsqu'ils sont jetés contre le mur.

L'exposition explore également la communication sous sa myriade de formes : l'œuvre de collier éditée en 1993 par Ann Hamilton, Untitled, explore la relation entre le corps et le langage avec un alphabet tissé à partir de crin de cheval. Plus d'une douzaine d'éditions de Singing Siren de Kiki Smith, un multiple d'artiste réalisé avec FWM, forment un chœur en attente de créatures mythologiques dont le chant est à la fois séduisant et mortel. Un prototype de l'œuvre Swallow de Janine Antoni et Stephen Petronio en 2016 propose des sièges personnalisés qui engendrent la connexion et le dialogue.

Une œuvre en deux films de Christine Sun Kim et Thomas Mader poursuit l'accent mis par l'exposition sur le son et la communication. Dans Tables and Windows, les artistes entremêlent leurs corps comme dans un jeu d'improvisation collaborative, travaillant ensemble pour négocier leurs différents ensembles de compétences en tant que locuteur natif de la langue des signes américaine (ASL) et apprenant de l'ASL. Une autre œuvre prêtée va au-delà de la communication humaine. L'installation sculpturale de l'artiste de Philadelphie Raúl Romero Music for plants, by plants fusionne des haut-parleurs, une sculpture et une station d'écoute pour explorer le rôle de la plante de la sculpture en tant que réceptacle ou fabricant de fréquences subsoniques. Maniant un humour inattendu, ces œuvres interrogent les limites perçues du langage et du son, invitant les visiteurs à se joindre aux artistes à la recherche de leur potentiel inexploité.

Prises ensemble, les œuvres des 22 artistes de Sonic Presence offrent de nombreuses façons dont l'art contemporain peut à la fois s'engager avec des idées de son et offrir des possibilités d'explorations de pont entre le visuel et l'auditif.

Sonic Presence (or Absence): Sound in Contemporary Art est organisé par l'ancien directeur des expositions FWM Unkovic.

Rejoignez la discussion ! Laissez un commentaire.